画我眼睛看到和心灵感受到的——色彩写生随笔

            <--google_ad_client = "pub-7679105547568926";google_ad_width = 336;google_ad_height = 280;google_ad_format = "336x280_as";google_ad_type = "text_image";google_ad_channel ="";google_color_border = "FFFFFF";google_color_bg = "FFFFFF";google_color_link = "0000FF";google_color_url = "008000";google_color_text = "000000";//-->作者：李真胜

 
    多年来的美术教育工作，使我有机会画了不少色彩写生。每当上课时，我总喜欢和同学们一起画。这样不仅促进了教学效果，同时，我也享受了油画写生的探索过程，并对色彩写生和教学实践作了一些思考和总结。这不仅提高了自己的油画技巧，也深化了自己的艺术思想。

    写生首先是通过自己的眼睛去审视自然，观察物象。也就是说写生是要画我们眼睛看到的，要画得深刻求真。但这决不意味着自然主义的照抄或描摹对象。对一个成熟和训练有素的画家来讲。观察生活，体验生活，不断地在与大自然的交流中得到新的充满活力的生活感受。让自己的艺术感受不间断地增添新的营养，使自己的作品更具有生命力和富有魅力。绘画—视觉的艺术。画的开始和末尾都需要看。眼睛怎么看？这是一个值得重视和探索的问题。简言之，看即是观察。面对丰富多变的自然物象如何看的问题就成了关键。我们将自然生活美转化为艺术美不是靠文字或语言完成的。观者之所以能从画中那些平凡常见的题材中看到了自己从未发现的美，那是源于画家眼睛超常的敏锐。画家的基本功训练归根结底是眼睛的训练。这是画好色彩写生的先决条件。如果不掌握正确的观察方法，就会由不会“看”而导致不会“画”。因为不同的观察方法会反应出不同的观察结果。整体观察和相互比较是正确的观察方法的两个基本要点。但如果没有对观察训练做具体的反复的实践，“整体观察”与“相互比较”便会流于一句空话。因为有两种观察的弊病是与生俱来的：一是把局部观察的结果拼凑成一幅画，而对每一种颜色的个别观察都可能出现难免的误差，这些误差拼在一起就可能使整体关系出现极大的问题：另一种弊病是在观察色彩时始终摆脱不了“形”的制约。而在形的制约下看色彩则会更多的留下关于固有色的个别印象。掌握正确的观察方法的第一步是克服常人的“固有色”观念。而绘画训练的过程就是改变观察方法的过程。把孤立的，局部的观察看成联系的，整体的观看；把盯住一点不放，只看某一色块和明暗“变为”关注色彩之间的关系。眼睛要始终在色彩关系上转。

    时间短的习作不能画的平淡，空洞，乏味，但时间较长的作业也不能死抠细节和局部。而是要在心灵的感受中敏锐地体会和把握住这来自心灵深处的最初感受。通过色彩和笔触与对象交流，在作画的过程中不断强化和丰富这种感受。画得面面俱到容易画僵，画死，不是深入研究，因为“死抠”出的画面缺乏感性，没有画味。画的简单，表面，又会显的空洞乏味。如何做到“恰到好处”，这是我们写生过程中重点训练的课题。在完成一幅写生画的过程中，自然物象的客观因素占多少，主观的艺术感受占多少。处理好这种主客观因素的对立与统一，是我们写生训练的目的和任务。写生还能训练和培养我们深刻入微地去观察物象和大自然的微妙变化，并发现其中最能打动我们心弦的东西。然后用我们的笔触和色彩去表达我们心中感受到的诗意和笔趣。那种有意和无意之中，似与不似之间的处理关系，才是我们写生训练的真谛。写实风格的油画大多数人都喜欢。是因为他们看的懂，看上去亲切。但有些写实风格的作品中，照相机的过度使用，使绘画的水平大大低落了。照相机对艺术创作，尤其是写实绘画，是有很大的帮助。它作为对快速易逝的形象和细节的记录工具，对画家很益。但是，却往往限制了画家的想象力和概括力的发展。不少人依赖照相机的结果是，产生了大量酷似照片的画，画中充斥着不必要的细节，画家很少写生了。艺术感受也随之消失。要想不断获得新的艺术感受，就必须纠正这种弊端。只有回到写生中去。即使必须使用照相机，也一定要对照片中提供的影像资料做出必要的筛选，不要为照片所限制，成为照片的奴隶，束缚了绘画创作的表现力。写生也可以将对象画的十分像，但是，仅仅客观的像还是不能解决问题，还要艺术的像，并富与激情和和美感，这又牵扯到绘画中的描绘和趣味性问题。描绘性的核心“艺术节奏”，无节奏不成艺术，节奏就是变化，是对立统一。节奏的外在形式是绘画材质在平面上的表层状态。是各种形态的笔触。只有从对象上感觉到色彩的变化和虚实，形态各异的笔触，才能完成实物到画面的转换——生活真实到艺术真实的转化，才能获得在画面上的主动描绘，即心灵的描绘。同时，用笔也是画家心灵的轨迹，性情的流露。每个画家都有自己的用笔特点。凡高作品中的笔触让我们感到他那颗燃烧着的火热的心。安格尔的作品里那平滑无痕的用笔蕴涵着画家内心的崇高理念油画的用笔是如此多样。就其丰富的表现力来看，只有中国的水墨画能与之媲美。值得我们我们借鉴。以少胜多，意到笔不到，笔到意更周，在单纯中求丰富是我们写生中追求的目标。笔触是画家情感的自然流淌，是发自内心深处的激情。俄罗斯风景画家列维坦常说：“不仅需要眼睛，而且还要用心去感受自然。听自然的音乐，体验自然的幽静。”他用娴熟的技巧和深邃的思想把自己的“体验”画出了来，把风景画的艺术造型及表现力推到了完美的境界。使风景画艺术有了表达人们丰富感情的，无限的审美可能性。他的油画作品《三月》是最好的例证。冷调子里明净的蔚蓝天空，在阳光里闪烁的白桦枝条，融化中的积雪。这一切似乎使人呼吸到那清新的气息，能听到富有节奏的滴水声。一切都给人以轻快，欢乐的感受，宛如聆听一首春之歌。响亮的色彩，和谐的色调，蕴藏诗意的内涵。

    艺术形象是我们思想，感情的载体，也是艺术表现追求的目的。纵观古今中外的美术史，所有的艺术杰作，无不以鲜明，深刻的艺术形象和艺术表现深入人心。绘画要生动感人，决不仅仅是手法和技巧，那要具有一颗真诚，敏锐的心，一种真正艺术家的气质和感动。需要特别强调的是，如果画写生只是自然的再现，那么画它有什么用？如果画中没有自己心灵之颤动，那么画它又有什么意义？绘画是画家自己对客观世界的认识。没有客观，虚假的不是好画，只画客观物体，缺乏主观感受也不是好画。好的画难度就在于此。正如国画大师齐白石先生的名言：“妙在似与不似之间。”用眼睛去看和用心灵去感受，是画家直觉的来源。在下意识中凭直觉在画面上选择，你的经验会告诉你该怎么去画。当所有这些都与你融为一体时，当你已经不意识自己在运用技巧时，实际上，你已经开始画你眼睛看到的和心灵感受到的了。